Tema: Aquellas viejas peliculas....

EL MULTIMILLONARIO
1960
Director: George Cukor
Reparto: Marilyn Monroe, Yves Montand, Tony Randall, Frankie Vaughan Wilfrid Hyde-White, David Burns, Michael David, Mara Lnn, Gene Kelly, Bing Crosby

Sinopsis:
Un multimillonario (Ives Montand) se entera que será satirizado en una revista off Broadway.
Decide ver la obra y se enamora de una actriz (Marilyn Monroe) cuando la escucha cantar la canción My Heart Belongs to Daddy (1938) de Cole Porter.
Por casualidad, el director al verlo en la sala, no cree que se trate del multimillonario y le ofrece el rol de si mismo, por lo que él considera es un parecido.
El multimillonario al darse cuenta de la situación acepta el rol, con la intención de intentar la conquista de la actriz, sin que nadie descubra quien es, en realidad.



Inolvidable musical para aquellos amantes de los musicales.

La película es muy entretenida y tiene sus puntos de humor.
Es destacable los cameos de Gene Kelly y de Bing Crosby haciendo de ellos mismos.
Marilyn está perfecta en su papel de mujer preciosa y tontorrona (su eterno papel) e Yves Montand tiene gracia en su papel de multimillonario/pobre.



GEORGE CUKOR

George Dewey Cukor (Nueva York, 7 de julio de 1899 - Los Ángeles, California, 23 de enero de 1983). Director de cineestadounidense.
Se le ha etiquetado como director de actrices, pues supuestamente supo arrancar sus mejores interpretaciones a las actrices que trabajaron con él.
Era hijo de unos inmigranteshúngarosjudíos.
Ya siendo adolescente, mientras estudiaba en el instituto, Cukor se interesó por el Teatro y empezó a participar en diferentes montajes como actor.
aunque sus películas lograsen premios, el trabajo de Cukor, en sus inicios, no obtuvo reconocimiento. Se le consideraba un director eficaz pero menor, pues se creía que el mérito de que sus películas obtuvieran buenos resultados estaba motivado por que se trataba, por lo general, de adaptaciones de grandes obras.
Cukor pudo haber sido el director de Lo que el viento se llevó de hecho O. Selznick le puso al mando en 1937 y pasó un año en las labores de preproducción de la películas, incluso, llegó a ensayar con las actrices Vivien Leigh y Olivia de Havilland.
No obstante, a Cukor le molestaron ciertos cambios de guión y al protagonista masculino Clark Gable le incomodaba la abierta homosexualidad de Cukor, pues el director, aunque discreto, nunca la ocultó. Ambas razones llevaron a O. Selnick a prescindir de Cukor.
No obstante, continuó ayudando en la producción, ya que fue contratado para ensayar con Leigh y Havilland.
Cukor, pese a tal inicente, no tuvo grandes problemas en Hollywood; de hecho, el director contaba con gran cantidad de amigos entre los actores, directores y técnicos que lo visitaban con regularidad.
En su casa, se celebraban grandes fiestas a las que estos acudían con asiduidad y, ya que no tenía familia propia, esta casa estaba decorada con las fotos de los que Cukor consideraba sus amigos.
De hecho, Cukor era amigo de sus amigos y fue fiel a los técnicos que intervenían en sus películas. Responsables de sonido, decoradores, directores artísticos, incluso maquilladores o responsables de vestuario solían repetir con Cukor.
La venganza de Cukor fue, como todo lo que el tocaba, refinada.
Ese mismo año, 1939 estrenó una película en el que no había ningún papel masculino.
Mujeres estuvo protagonizada por Norma Shearer, Joan CrawfordPaulette Goddard y Rosalind Russell. No hubo ningún hombre en el reparto.
Aunque fueron muchas las actrices que trabajaron para Cukor, su musa fue, sin duda Katharine Hepburn

EL IMPERIO DEL TERROR

Un duro drama sobre el poder de la corrupción.
1955
Director: Phil Karlson
Reparto: John McIntire, Richard Kiley, Kathryn Grant, Edward Andrews, Lenka Peterson, Biff McGuire, Truman Smith, Jean Carson, Kathy Marlowe, John Larch, Allen Nourse, Helen Martin, Otto Hulett, George Mitchell .

SINOPSIS:
Narra cómo en una ciudad del estado de Alabama todo está controlado por el crimen organizado.
Allí, los mafiosos campan a sus anchas sin preocuparse por la policía a quien tiene comprada.
Sólo unos pocos hombres se rebelarán ante tal situación, tratando de que el miedo del pueblo se convierta en valentía para plantar cara al crimen.
John Patterson es un abogado que convence a su padre —un hombre muy respetado en la comunidad— para que se presente a fiscal del estado, y así poder vencer a los criminales en un lugar mejor: las urnas.
Pronto los acontecimientos se precipitarán, poniendo en peligro la vida de muchas personas.

PHIL KARLSON

Nacimiento:2 de Julio de 1908 (Chicago, Illinois, USA)
Fallecimiento: 12 de Diciembre de 1985 (Los Angeles, California, USA)
Hijo de la célebre Lillian O'Brien, actriz irlandesa, entró en el cine cuando aún era estudiante de derecho, a través de un empleo en Universal Pictures, a mediados de los años '30. En el seno de ese estudio aprendió el oficio siendo asistente de dirección en varias películas, llegando a convertirse en productor asociado en BETWEEN US GIRLS .

EL MINISTERIO DEL MIEDO
Guion, ´basado en la novela de Graham Greene
1944
Director: Fritz Lang
Reparto: Ray Milland, Marjorie Reynolds, Carl Esmond, Hillary Brooke, Dan Duryea, Alan Napier, Erskine Sanford, Percy Waram

SINOPSIS:
Stephen Neale abandona el sanatorio mental de Lembridge, tras haber estado confinado entre sus paredes durante dos años.
Al reincorporarse a un mundo al que ya no está acostumbrado, inmediatamente se encuentra con una serie de acontecimientos inexplicables, como unos agentes nazis persiguiéndole...
Pero cuando Stephen le cuenta a otras personas lo que le ha sucedido, éstas piensan que está loco.

«No hay escape en el Ministerio del Miedo, donde la amenaza acecha detrás de cada sombra, y una red de terror desvela el terror en las mentes de todos los hombres»

El film es una obra de cine negro, en la que los criminales son sustituidos por espías nazis de origen austriaco, que actúan en Londres desde 1941, como refugiados que ejercen diversas profesiones (librero, psiquiatra, pintora, etc.).

En 1943 Hitler aún amenazaba con dominarlo todo, y se puede afirmar que el clima de paranoia que se respira en la película refleja en parte los miedos presentes en la idiosincrasia norteamericana, y de amplios sectores de la población mundial no alineada con el nazismo en su momento.

RAY MILLAND


(Neath Gales, 3 de enero de 1907- Torrance, California, 10 de marzo de 1986) fue un actor y director de cinegalés.
Su verdadero nombre era Reginald Alfred Tuscott Jones, y su gran versatilidad y calidad como intérprete le permitieron trabajar en todo tipo de películas.

En los años cuarenta su estrella continúa creciendo y trabaja con grandes directores como Cecil B. DeMille en Piratas del Caribe (donde se tiene que enfrentar con John Wayne) y Billy Wilder en El Mayor y la menor.
En la primera mitad de los años cuarenta está en el apogeo de su estrellato y trabaja en buenas películas como Alondra del cielo de Mark Sandrich, Los Intrusos o La Bribona de Sidney Lanfield.
Este gran momento culmina con una nueva película de Billy Wilder, Días sin huella, con la que gana el premio Óscar de la Academia de Hollywood y el galardón a la mejor actuación masculina en el Festival de Cannes.
También destaca haber protagonizado la película de Fritz Lang El Ministerio del miedo de 1944.

Sin embargo este éxito en lugar de consolidar su carrera le hace comenzar su declive. A pesar de ello continúa protagonizando títulos importantes como El Reloj asesino de John Farrow, o el western titulado California también dirigido por John Farrow.
En los cincuenta se mantiene en buenos títulos si bien su estrella sigue cayendo: de esta época son películas como Cerca de mi corazón de William Keighley, Círculo de peligro de Jacques Tourneur, y sobre todo destaca su gran interpretación en Crimen perfecto de Alfred Hitchcock donde es el marido que planea matar a su esposa interpretada por Grace Kelly.

En 1970 trabajó en una de las últimas películas importantes, Love Story, una película que fue todo un éxito en su momento basado en el best seller de Erich Segal y dirigida por Arthur Hiller.
Sirvió para convertir en estrellas momentáneas a Ryan O'Neal y a Ali MacGraw, teniendo Milland que conformarse con interpretar al despótico padre del protagonista.
En la década de los setenta se le puede ver en producciones menores haciendo papeles secundarios.
También es villano en un par de capítulos de Colombo, y es uno de los muchos actores destacados que trabajan en la miniserie de éxito mundial Hombre rico, hombre pobre basado en la novela de Irwin Shaw.

Marjorie Reynolds

(agosto 12do, 1917-febrero 1, 1997) fue una actriz de cine estadounidense.
Participó en más de 70 películas.
Nombre: Marjorie Goodspeed, nació en Buhl, Idaho, apareció como actriz infantil en películas mudas, como Scaramouche (1923)

.

Su primer papel hablado, en Asesinato en Greenwich Village (1937).
Su desarrollo de la carrera se vio obstaculizada por la prematura muerte de su mentor, Mark Sandrich.
A menudo aparece en papeles dramáticos, en el Holiday Inn, demostró su habilidad para bailar, y ella interpretó "White Christmas",a dúo con Bing Crosby, aunque su canto fue doblado por Martha Mears.
El 1 de febrero de 1997, (padecia la enfermedad cardíaca congestiva), se desmayó y murió en Manhattan Beach, California, mientras paseaba a su perro.

EL CREPÚSCULO DE LOS DIOSES
1950
Director: Billy Wilder
Reparto: William Holden, Gloria Swanson, Erich von Stroheim, Nancy Olson, Fred Clark, Jack Webb, Lloyd Gough, Cecil B. DeMille, Hedda Hopper, Buster Keaton, Anna Q. Nilsson,H.B. Warner, Franklyn Farnum
SINOPSIS:
Joe Gillis es un joven escritor de segunda fila que, viéndose acosado por sus acreedores, se refugia casualmente en la mansión de Norma Desmond, antigua estrella del cine mudo, la cual vive alejada de la realidad y sólo acompañada de su fiel criado Max.
A partir de ese momento, la actriz pretende que Joe corrija un guión que ella ha escrito y que va a significar su regreso al cine.

Cuando el cine era grande
La fábrica de sueños: Wilder escenifica a través de Norma Desmond (Gloria Swanson) y Joe Gillis (William Holden) la cara y la cruz de esa fábrica de sueños. El anverso y el reverso de la mitología cinematográfica.

1951: 3 Oscar: Mejor argumento y guión, dirección artística B/N, banda sonora drama. 6 Nominaciones. 1951: Globos de Oro: Mejor película: Drama

Es una película amarga, pero es que la vida en Hollywood que se representa era amarga, y sigue siendo amarga.
Cuenta, desde el principio, la historia de tres personajes decrépitos


GLORIA SWANSON
(Chicago, 27 de marzo de 1899 - Nueva York, 4 de abril de 1983), actriz de cine estadounidense.
Brilló como una de las principales estrellas del cine mudo en los años 20 y 30, y tras una larga retirada recuperó su fama en 1950, a edad madura, con El crepúsculo de los dioses (Sunset Boulevard) de Billy Wilder.
Su nombre completo era Gloria Josephine Mae Svensson y era hija de un soldado de ascendencia sueca. Su infancia transcurrió en Puerto Rico, Chicago y Florida.
Desde muy joven se sintió atraída por el mundo de la interpretación.

Sus inicios fueron con Charles Chaplin.
Tenía un carácter difícil.
Fue el director Cecil B. De Mille quien convirtió a Swanson en una auténtica estrella.
A lo largo de su vida, Gloria Swanson se casó en seis ocasiones y tuvo tres hijos, uno de ellos adoptado.
Swanson estuvo relacionada sentimentalmente con el productor Joseph P. Kennedy, padre del que fuera presidente de los Estados Unidos John F. Kennedy, romance que le ayudó a convertirse en uno de los personajes más poderosos de la industria cinematográfica del momento.

Interpretando a Norma Desmond, Swanson decía en esta película: «Sin mí no existiria la Paramount», lo que probablemente fue real durante sus años de esplendor.

Swanson llevaba varios años retirada del cine, pero asumía su declive y seguía activa en un programa de televisión, The Gloria Swanson Hour, por lo cual reaccionó positivamente cuando le ofrecieron el papel.
Su interpretación de Norma Desmond en esta película le valió una nominación al premio Oscar a la mejor actriz, y se cuenta que otra diva del momento, Barbara Stanwyck, se inclinó a besarle el bajo del vestido, impresionada.
La revista Time publicó:
«En Sunset Boulevard, lo peor de Hollywood es mostrado por lo mejor de Hollywood».

Es curioso como a través de un juego de recordar películas, pueden aparecer joyas como las que a lo largo de un año hemos encontrado.

Cada vez entiendo más la visión del cine actual.Mejor dicho el que yo no sienta mucho interés por él.

Intentar equiparar el ingenio que desprenden los guiones de antes con los que tenemos que
soportar en las salas de cine actualmente es misión imposible.

Intentar acercars a la sombra de cineastas y actores como los que este hilo alberga un
sueño eterno.

Recordatorio indicando la página dónde podemos encontrar la pelicula o los personajes.

Archivo Adjunto 6208 Archivo Adjunto 6209 Archivo Adjunto 6210 Archivo Adjunto 6211 Archivo Adjunto 6212

Hoy cumple años este hilo.
Mejor dicho cumple UN AÑO.
A soplar la vela y a empezar a opinar sobre los titulos que hemos recordado y los personajes que hemos conocido un poquito.


http://subefoto.info/TITULOS%20DE%20...DIRECTORES.pdf

Esa última peli "El crepusculo de los dioses"....sigue en "Saber y Ganar "(en la 2 de tve), como pregunta a la parte por el todo.
Hablan de la pitillera como una parte de ¿qué todo?..

Lo de la pitillera fue una broma irónica que hizo Swanson en una entrevista posterior mostrando la pitillera de oro ,jocosamente comentó que ese era su “Oscar” por su interpretación.


Plano del tráiler de Sunset Boulevard, muy semejante al de la secuencia de apertura de la película, en el que también aparece el bordillo con el rótulo "Sunset Blvd."
El plano de la imagen, sin embargo, no se utilizó en el montaje final. En el utilizado no aparecen colillas junto al bordillo.

Una pelicula vieja que vi hace poco y me hizo reir bastante y te recomiendo es Take the Money and Run
de Woody Allen donde narra la historia de un hombre completamente inútil que intentara una y otra vez
convertirse en un gran ladrón sin triunfar jamás.

Iniciado por curruxcu

Es curioso como a través de un juego de recordar películas, pueden aparecer joyas como las que a lo largo de un año hemos encontrado.

Cada vez entiendo más la visión del cine actual.Mejor dicho el que yo no sienta mucho interés por él.

Intentar equiparar el ingenio que desprenden los guiones de antes con los que tenemos que
soportar en las salas de cine actualmente es misión imposible.

Intentar acercars a la sombra de cineastas y actores como los que este hilo alberga un
sueño eterno.

Y quiero añadir, ademas de estar totalmente de acuerdo con lo que expones, que a veces, una simple "pincelada" de una escena de una vieja pelicula te hace ver LO GRANDE QUE ERA EL CINE. Lo de hoy, es cine de consumo (como la comida McDonald)

Como es posible que en dos minutos sin calidad digital, sin efectos, sin millones de dolares (o euros) te pueda dejar boquiabierto despues de tantos años...

Y esos actores y actrices...que eran profesionales...en fin....tu sigue poniendo que al menos yo....te voy leyendo...

Iniciado por alessa22

Una pelicula vieja que vi hace poco y me hizo reir bastante y te recomiendo es Take the Money and Run
de Woody Allen donde narra la historia de un hombre completamente inútil que intentara una y otra vez
convertirse en un gran ladrón sin triunfar jamás.

TOMA EL DINERO Y CORRE
1969

http://www.veoh.com/browse/videos/ca...994796fpzFPA2n#

Director: Woody Allen
Reparto: Woody Allen, Janet Margolin, Marcel Hillaire, Jacqueline Hyde, Jan Merlin, Lonny Chapman

SINOPSIS:
A través de una serie de entrevistas con quienes le conocieron, la película nos introduce en la vida del incompetente atracador Virgil Starkwell, que desde el comienzo estuvo abocado a la delincuencia. Después de pasar una infancia a merced de los chicos más fuertes que él y tras descubrir que su carrera musical no iría a ninguna parte, Virgil comenzó a robar. Pero su escaso talento como ladrón pronto le conduciría a la cárcel.

Vale para observar cómo es el comienzo de un genio.
Y como bien dice alessa22 reirse bastante, lo que a mi me ocurre es que este tipo de humor después me da tristeza.

Y esos actores y actrices...que eran profesionales...en fin....tu sigue poniendo que al menos yo....te voy leyendo... (¿como va el visionado de El estanque dorado?)

EL EXTRAÑO CASO DEL DOCTOR JEKYLL Y M. HYDE
Oscura historia que se adentra en los más profundos demonios del ser humano.
Adaptada de la novela de Robert Louis Stevenson, la obra ya tuvo una muy buena primera versión rodada en 1931
1941
Director: Victor Fleming
Reparto: Spencer Tracy, Ingrid Bergman, Lana Turner, Donald Crisp, Ian Hunter, Barton MacLane, C. Aubrey Smith, Peter Godfrey, Sara Allgood, Frederick Worlock, William Tannen, Frances Robinson, Denis Green, Billy Bevan, Forrester Harvey.

SINOPSIS:
Un respetado científico obsesionado con la idea de separar los impulsos de maldad del ser humano se bebe una de sus pociones. A partir de entonces se convierte en un monstruo que deambula por las calles con una nueva personalidad.

El rol de Tracy es encomiable, pues las técnicas de maquillaje en 1941 son muy inferiores a las actuales, con lo que la gran diferencia entre Jekyll y Hyde se debe a su impresionante actuación, siendo la bondad personificada en un caso y el mal sin control en el otro, destacando su mirada asesina como rasgo más terrorífico de todo el relato.

Ahora que vivimos una era de películas de terror lamentables, los actuales directores del género harían muy bien en echar un vistazo a los estupendos relatos creados años atrás, para comprobar que el cine vive de guiones y buenas interpretaciones, los cuales nunca podrán ser sustituidos por sangrientos efectos especiales y jovencitas semidesnudas.


Victor Fleming
Sus peliculas fueron tan buenas, que nos habiamos olvidado de mencionar su trayectoria.

(La Cañada) California,23 de febrero de 1889 - Cottonwood, Arizona, 6 de enero de 1949), fue un cineasta norteamericano director en 1939 de dos de las mas famosas peliculas de todos los tiempos:
Lo que el viento se llevó

y El mago de Oz.

Debuta en la dirección cinematográfica con Pesadillas (1919), que firma junto con Ted Reed, aunque su primera película en solitario es Una gallina valerosa (1920). Ambas producciones están protagonizadas por su amigo Douglas Fairbanks, uno de los actores más populares del momento. Durante su etapa muda se consolida su prestigio como director de extraordinaria habilidad y talento a la hora de contar historias. Pronto se convierte en uno de los directores más importantes de la Metro Goldwyn Mayer y uno de los de mayor éxito.

Su primer trabajo en el sonoro es la película El Virginiano (1928).

Todas las películas de Fleming, excepto su último proyecto Juana de Arco (Joan of Arc) (1948), fueron un completo éxito. Especialmente Dos en el cielo (A Guy Named Joe) con Spencer Tracy e Irene Dunne. Cuando le aconteció su muerte en enero de 1949, Fleming planeaba la realización de La soga (Rope), que finalmente hizo la 20th Century Fox en 1952 de manos de Alfred Hitchcock.

TORTURA (1944)
Archivo Adjunto 6347
Director:Alf Sjöberg
Reparto:Stig Järrel, Alf Kjellin, Mai Zetterling,Olof Winnerstrand, Gösta Cederlund, Hugo Björne, Stig Olin
Guionista: Ingmar Bergman

Sinopsis:
Un profesor de latín, apodado Calígula, de cáracter paranoico, goza persiguiendo a uno de sus alumnos, Jan-Erik Widgren, y satisface su sadismo en una joven vendedora en un estanco llamada Bertha. Widgren se enamorará de Bertha, sin que sepa en realidad también se relaciona con Calígula.

ARSÉNICO POR COMPASIÓN

1944
Director: Frank Capra
Reparto: Cary Grant, Priscilla Lane, Peter Lorre, Raymond Massey, Josephine Hull, Jean Adair, Jack Carson, Edward Everett Horton

SINOPSIS:
Un famoso crítico teatral, Mortimer Brewster, se ha casado en secreto con la bella Elaine.
Los dos acuden a visitar a las encantadoras tias de Mortimer, Abby y Martha, allí descubrirá con horror que las ancianas se dedican a envenenar a viejecitos abandonados a los que entierran en el sótano.
En la casa está, además, un perturbado mental que cree ser Theodore Rooselvelt y, por si fuera poco, aparece Jonathan, hermano de Mortimer y peligroso asesino.

Realmente esta historia vista u oída, de esta forma, puede llevar a engaño.
Hacer una síntesis de la película resulta complicado, ya que esta trama aparentemente dramática, es en realidad un cúmulo de diversión y humor, como pocas veces, ha tenido el placer de mostrar el cine.

Humor gris claro



Divertida y con un espléndido reparto.

Según una obra del dramaturgo Joseph Kesselring, "Arsenic and old lace", que fue estrenada con enorme éxito en las tablas de Broadway.

Una screwball comedy que Capra aceptó por dinero, y convirtió en una obra maestra

Priscilla Lane

cuyo nombre real era Priscilla Mullican, nació en Indianola, Iowa, Estados Unidos, el 12 de julio de 1915 y falleció el 4 de abril de 1995 en Andover, Massachusetts, Estados Unidos cuando contaba con 79 años. Fue una cantante y actriznorteamericana.
También integró un trio vocal, denominado "The Lane Sisters", junto a sus dos hermanas, Rosemary y Lola.

Priscilla junto a Rosemary y Lola"The Lane Sisters"

Destacándose por su belleza logró acaparar la atención de productores, llegando a filmar un importante número de películas.
En lo concerniente a su vida personal, contrajo matrimonio durante el año 1939 con Oren Haglund, un guionista y aspirante a asistente de dirección, que Priscilla abandonaría al segundo día de la boda, la cual terminaría anulándose poco tiempo después.
En 1942, vuelve a contraer enlace con Joseph Howard (Coronel de la aeronáutica estadounidense), y unos años después (1948) se retira de la actuación para dedicarse de lleno a la vida matrimonial.

CARY GRANT


El hombre que nunca se despeinaba.
Nacido como Archibald Leach, este británico encarnó como nadie al galán seductor y con sentido del humor que dominaba la pantalla y que desfiló en más de 70 películas.
Además de hacernos reir en películas como "Arsénico por compasión" o "Historias de Filadelfia", también vimos su lado más oscuro, cínico e imperterreo de la mano de Hitchcock en "Encadenados" y "Sospecha".
Para algunos tenía la misma expresividad que una lavadora, mientras que para otros no se puede comprender el cine del siglo XX sin su presencia.
Para muestra, los muchos que han seguido su estilo como Rock Hudson o George Clooney.

Grant tuvo una infancia infeliz y un tanto confusa.
Fue a la escuela en su ciudad natal, de la que se le expulsó a los 14 años (en 1918), tras un incidente relacionado con los vestuarios de las alumnas.
En ese mismo año se incorporó a una compañía de teatro, con la que llegó a Estados Unidos en 1920, y a Hollywood en 1931.
Es allí donde comienza a utilizar el nombre de Cary Grant.
En 1942 adquirió la nacionalidad estadounidense.

El director Alfred Hitchcock, cuyo desapego por los actores era notorio, se entusiasmó con Grant, y le contrató para actuar en cuatro de sus películas, como Atrapa a un ladrón, junto a Grace Kelly, o Con la muerte en los talones, junto a Eva Marie Saint, que se convirtieron en clásicos, al igual que otras obras del director.


Aunque fue nominado dos veces para los Óscar, Grant no obtuvo el premio, aunque recibió en 1970 un premio especial de la Academia de Cine en reconocimiento a su carrera.

En 1981 le fue concedido el Kennedy Center Honors en reconocimiento a su talento y contribución a las artes escénicas.

Cary Grant logró superar un arraigado alcoholismo a través de sesiones psicodélicas gracias a las aplicaciones de la lsd, convirtiéndose en un acérrimo defensor y divulgador de la sustancia en el mundillo de Hollywood.
A lo largo de su vida Grant llegó a casarse cinco veces, siendo su penúltima esposa la actriz Dyan Cannon, con la que tuvo su única hija, Jennifer Grant.

Grant quería que Jennifer no trabajara en la industria de las películas, pero después de la muerte de su padre, Jennifer se hizo actriz.
Durante los últimos años de su vida, retirado del cine, fue ejecutivo de diversas empresas relacionadas con el mundo del cine.
Se dedicó a viajar por el mundo y por Estados Unidos, donde realizó diversas sesiones de su programa Una noche con Cary Grant, en las que tras la proyección de fragmentos de sus películas, respondía a las preguntas del público.
Antes de una de estas sesiones, en Davenport, en el estado de Iowa, sufrió una apoplejía, falleciendo pocas horas después en el hospital a los 82 años de edad.

ATRAPA A UN LADRÓN
1955
Director: Alfred Hitchcock
Reparto: Cary Grant, Grace Kelly, Brigitte Auber, Jessie Royce Landis, John Williams, Charles Vanel

Oscar: mejor fotografía color

SINOPSIS:
Cary Grant interpreta a John Robie, un ladrón de joyas reformado una vez conocido como «El Gato». Robie es el principal sospechoso de una nueva serie de robos de piedras preciosas en los más lujosos hoteles de la Riviera francesa, por lo que ha de limpiar su nombre. Cuando conoce a la caprichosa heredera Frances (Grace Kelly), ve la oportunidad de desenmascarar al misterioso ladrón utilizando las fabulosas joyas de su madre.

Grace recorre a toda velocidad una carretera escarpada de Mónaco. Huye de un coche policial, derrapa en las curvas, cambia de marcha con precisión milimétrica embragando con unos zapatos de tacón.

Cary Grant, ya mayor, se exhibe en bañador. Tostado por el sol. Con un cuerpo aún envidiable para su edad.

Adapta la novela "To Catch A Thief" (1952), de David F. Dodge. Se rueda en escenarios exteriores de Niza, Cannes y Villefranche-sur-Mer (Riviera francesa) y en los platós de Paramount Studios, con un presupuesto de 2,5 M dólares.

No sólo de suspense vive Hitchcock
La gente más ignorante en este mundo del cine se piensa que Alfred Hitchcock sólo sabía hacer cine de suspense. Ni mucho menos esto es cierto, y dentro de sus películas se encuentran un gran número de géneros, que sólo se ven si uno mira bien.

BRIGITTE AUBER

Nació el 27 de abril de 1928, París, Francia) es una actriz francesa que ha trabajado mucho en el cine y la televisión en Europa, pero es poco conocido en los Estados Unidos. Su papel más conocido estaba frente a Cary Grant en Alfred Hitchcock's To Catch a ThiEF, lanzado en 1955.
La Sra. Auber tuvo un pequeño papel en la remake de 1998 El hombre de la máscara de hierro (protagonizada por Leonardo DiCaprio

CABALLERO SIN ESPADA

1939
Mr. Smith Goes To Washington (titulo original)Mr. Smith va a Washington
Jefferson Smith,un hombre sencillo de una pequeña ciudad, es enviado como senador a Washington por un grupo de políticos que quieren convertirle en una marioneta al servicio de sus intereses.

Director: Frank Capra
Reparto: James Stewart, Jean Arthur, Claude Rains, Edward Arnold, Guy Kibbee, Thomas Mitchell, Eugene Pallette, Beulah Bondi, H.B. Warner, Harry Carey, William Demarest

James Stewart, Jean Arthur y Claude Rains protagonizan esta galardonada película de 1939 sobre un senador idealista de una pequeña ciudad que tiene sus objetivos puestos en Washington y que de repente se encuentra luchando contra un montón de políticos corruptos y sin una pizca de humanidad que quieren acabar con él.


Oscar: Mejor historia original / Drama. Política /
SINOPSIS:
Todo un clásico del cine americano en el que James Stewart interpreta a Jefferson Smith, un ingenuo e idealista senador que, irrumpiendo de pronto en el escenario político al ocupar un cargo vacante en el senado americano, decide luchar contra la corrupción política.
Un maravilloso film sobre los valores y la honestidad que obtuvo nada menos que 11 nominaciones a los Oscar.

Las causas perdidas son las únicas por las que merece la pena luchar, ése es el auténtico mensaje de la película.

El protagonista es tan ingenuo y queda tan indefenso ante el corrupto senado que da angustia.
Es asombroso ver cómo Stewart es capaz de representarlo con la misma facilidad que a otros personajes más rudos y resabiados.
Es uno de los actores más versátiles de la historia; uno de los mejores, sin lugar a dudas.
Casi se merienda él solito la película.
El sentido del humor es mucho más ácido de lo que podría parecer a simple vista.

"No te pierdas las maravillas que te rodean", comenta el protagonista principal de este film, recordando un consejo de su venerado padre.
Así es, y por ese mismo lema NO HAY QUE PERDERSE ESTA PELÍCULA que está entre los mejores exponentes de cine crítico-político de los que enarbolan el espíritu maravilloso, utópico y valiente del débil David frente al fortísimo Goliat o del frágil Don Quijote de la Mancha frente a los grandes y asentados molinos de viento.



JAMES STEWART




James Maitland Stewart (20 de mayo de 1908 – 2 de julio de 1997), popularmente conocido como Jimmy Stewart especialmente en Estados Unidos, fue un actor de cine, teatro y televisión estadounidense ganador del Premio Óscar, famoso por su particular personalidad en la pantalla.
Durante el transcurso de su carrera actuó en varias películas consideradas clásicos y fue nominado cinco veces al Premio Óscar, ganando una vez en competencia y recibiendo uno por su trayectoria. También tuvo una notable carrera militar alcanzando el grado de Brigadier General en la Fuerza aérea de los Estados Unidos.

Stewart dejó su marca en una amplia gama de géneros de cine.

Fue un joven tímido, Stewart pasó gran parte de su tiempo después del colegio trabajando en el sótano de la casa en modelos de aviones, dibujos mecánicos y química — teniendo en mente el sueño de ser piloto.
Pero abandonó sus sueños de convertirse en piloto cuando su padre insistió que en lugar de ir a la Academia Naval ingresara en la Universidad de Princeton.
Stewart se matriculó en 1928 como miembro de la Clase de 1932.
Antes se había graduado de la preparatoria Mercersburg Academy.

(Algo que yo no imaginaba)
Participó en la Segunda Guerra Mundial, lo que le llevó a simbolizar al estadounidense patriota, honorable y severo.
Durante el conflicto, en lugar de dedicarse a tareas propagandísticas. eligió convertirse en piloto de bombardero.
Sus dotes de mando le llevaron a ser uno de los pocos norteamericanos que pasaron de soldado a coronel en menos de cuatro años. Tras la guerra continuó su servicio en la reserva, llegando a ostentar el rango de general de brigada.

En política Stewart apoyaba al Partido Republicano.
Uno de sus mejores amigos era Henry Fonda, a pesar del hecho de que ambos tenían visiones políticas completamente diferentes.
Una discusión política en la primavera de 1947 terminó en una pelea a manos entre los dos amigos, pero aparentemente mantuvieron la amistad gracias al acuerdo de no volver a hablar sobre política.
Hay una pequeña referencia sobre sus diferencias en política en sus personajes en la película The Cheyenne Social Club

"Estados Unidos perdió un tesoro nacional hoy día," dijo el Presidente Bill Clinton el día en que Stewart falleció.
"Jimmy Stewart fue un gran actor, un caballero y un patriota".

LA CASA DEL HORROR (LONDON AFTER MIDNIGHT)
1927
Director: Tod Browning
Reparto: Lon Chaney, Polly Moran, Henry B. Walthall, Marceline Day, Conrad Nagel

Para un foro silencioso .......otra pelicula del cine mudo.

Sinopsis:
Una muerte acontece en una mansión. Cinco años después, un detective de la policía, aún sospechando que se trata de un asesinato y no un suicidio, como pareció quedar demostrado, sigue vigilando el caserón; además, piensa que los causantes son vampiros...
¿Serán vampiros? El inspector Burke investiga a un sospechoso que bajo hipnosis pueda estar tratando de cometer nuevos crímenes disfrazado de vampiro.

Primera película, estrictamente hablando, de terror que rodara Browning, La casa del horror es hoy día un mito, más que nada porque figura siempre en los primeros lugares de las listas de los films desaparecidos más ansiados.
A mediados de los años 60, la única copia conocida sobreviviente de "London after midnight", era destruida en un incendio haciendo de esta una de las más buscadas películas "perdidas" de la era del cine mudo.
Así se inicia la versión de la Turner Classic Movies realizada mediante diaporamas, aunque entrar a valorar una reconstrucción y conato de lo que fue una película perdida se encamina hacia lo subjetivo o la intuición.
Como era habitual, el propio Chaney fue el responsable del deliciosamente atroz maquillaje que exhibe en la película; se dice que los ojos desorbitados los efectuó colocándose alambres en los párpados.

En "London After Midnight" Chaney interpretaba un doble papel como inspector de Scotland Yard y como un terrorífico vampiro, ambos protagonistas de los misteriosos sucesos que acontecen en una mansión londinense.



En 2002, Rick Schmidlin efectuó un montaje por medio de una gran cantidad de fotografías, al tiempo que lo acompañaba de una partitura compuesta para la ocasión.
Esta versión, de 47 minutos, se emitió por el canal TCM el 1 de noviembre de ese año, y en 2003 fue edita en dvd por Warner Home Video.

Lo que habrá sido y no sabemos qué fue: una pena



LON CHANEY



(1 de abril de 1883 – 26 de agosto de 1930), apodado "El Hombre de las Mil Caras", fue un actorestadounidense durante la era del cine mudo.
Considerado uno de los actores más versátiles de los comienzos del cine, es recordado principalmente por sus interpretaciones de personajes torturados, a menudo grotescos y afligidos, y por su habilidad para el maquillaje.
Nació con el nombre de Leonidas Frank Chaney en Colorado Springs, Colorado.
Sus padres eran sordos por lo que Chaney aprendió desde niño a comunicarse por pantomima.
En 1902 comenzó su carrera en los escenarios, viajando con actores populares del teatro y el vaudeville. En 1905 conoció y se casó con la cantante Cleva Creighton y en 1906 nació su primer y único hijo: Creighton Chaney (alias Lon Chaney Jr.). Los Chaney siguieron de gira hasta asentarse en California en 1910.
Desafortunadamente se produjeron problemas matrimoniales y, en abril de 1913, Cleva se dirigió al Teatro Majestic, ubicado en el centro de Los Ángeles, donde Lon estaba dirigiendo Kolb and Dill.
Allí, ella trató de suicidarse ingiriendo bicloruro de mercurio.
El intento de suicidio fracasó y arruinó su carrera como cantante; el escándalo y divorcio resultantes obligaron a Chaney a abandonar el ámbito teatral y dedicarse a las películas.
Chaney se hizo amigo de la pareja de directores Joe De Grasse e Ida May Park, quienes le dieron papeles más importantes en sus producciones.

Chaney se casó con una antigua colega de la gira Kolb and Dill, una chica llamada Hazel Hastings que cantaba en el coro de la obra. Es poco lo que se sabe de Hazel excepto que su matrimonio con Chaney fue sólido. Luego de casarse, la pareja obtuvo la custodia del hijo de Chaney que ya tenía diez años y había residido en varios hogares e internados tras el divorcio de Chaney en 1913.

Pese a que Chaney creó a dos de los personajes más grotescamente deformados de la historia del cine (Quasimodo, el campanero de Notre Dame, y Erik, el "fantasma" de la Ópera de París), sus representaciones buscaban una reacción de simpatía y tristeza entre la audiencia y no aterrarlos o hacerlos sentir rechazo hacia esos personajes desfigurados que tan sólo eran víctimas del destino.
"Quería recordarle al público que incluso quienes se encuentran más abajo en la escala de humanidad puden tener en su interior la capacidad de sacrificio", escribió Chaney en la revista Movie. "El pordiosero empequeñecido y deforme que vemos en las calles podría tener los más nobles ideales.
La mayoría de mis papeles desde El jorobado de Notre Dame, como El Fantasma de la Ópera, He Who Gets Slapped, El trío fantástico, etc., han tenido incorporados el tema del sacrificio y la abnegación. Son estas historias las que quiero contar."
"Él fue una persona que reflejó nuestras psiques.
Entró de algún modo a las sombras que existen dentro de nuestros cuerpos; pudo desenmascarar algunos de nuestros miedos íntimos y llevarlos a la pantalla", explicó el escritor Ray Bradbury en una ocasión.
"La historia de Lon Chaney es la historia de amores no correspondidos. Él pone al descubierto esa parte de uno, porque uno teme que no lo amen, uno teme que nunca lo amen, uno teme que una parte suya sea grotesca, que el mundo le de la espalda."
Los talentos de Chaney se extendieron más allá del género del terror y el maquillaje artístico. También fue un bailarín, cantante y comediante muy hábil. De hecho, muchas personas que no conocían a Chaney se sorprendían por su deliciosa voz de barítono y su aguda capacidad para la comedia.

Chaney y su segunda esposa, Hazel, llevaron una vida privada discreta lejos del círculo social de Hollywood.
Chaney promocionaba mínimamente sus películas y los estudios MGM alimentando así su imagen de misterio.

PERTENECIENDO AL CINE MUDO.....!HAY MUCHO QUE HABLAR Y BUENO DE ESTE ACTOR|

EL DIBLO DIJO NO(Heaven Can Wait)
1947
Director: Ernst Lubitsch
Reparto: Gene Tierney, Don Ameche, Charles Coburn, Marjorie Main, Laird Cregar, Spring Byington, Allyn Joslyn, Eugene Pallette, Signe Hasso, Louis Calhern, Helene Reynolds, Aubrey Mather

SINOPSIS:
Cuando muere, con 70 años, Henry Van Cleve va al infierno, donde le recibe Su Excelencia, un caballero bien vestido que exige conocer sus delitos. Henry da comienzo a su historia. Desde su nacimiento, la acaudalada familia Van Cleve le proporcionó todos los lujos y él llevó una vida de bebedor y mujeriego hasta que un día encontró a la mujer de sus sueños, Martha Strabel. Tras escuchar su relato, Su Excelencia le informa de que no acepta personas como él en el infierno.

Clásico indiscutible de la comedia americana, si alguna vez se preguntó qué es el "toque Lubitsch", aquí tiene la gozosa respuesta.

Si yo fuera el diablo no hubiera dejado que Lubitsch se largara con el enemigo.

DON AMECHE

Dominic Felix Ameche (31 de mayo de 1908 – 6 de diciembre de 1993), fue un actor y director estadounidense ganador del Premio Óscar.
Ameche comenzó su carrera con el vodevil junto a Texas Guinan, aunque posteriormente dejaron de trabajar juntos ya que Guinan consideraba a Ameche demasiado estirado.
Debutó en el cine en 1935 y, a finales de la década, se había convertido en uno de los principales actores de Hollywood.
Interpretó con éxito películas como Alexander's Ragtime Band (1938), en Heaven Can Wait (El diablo dijo ¡no!) (1943), junto a Gene Tierney, y en The Story of Alexander Graham Bell (1939), interpretando a Alexander Graham Bell.
Curiosamente, su interpretación del inventor del teléfono popularizó el latiguillo "ameche" como sinónimo de teléfono.

Estuvo alejado del cine durante 13 años. Pero en 1983 volvió junto al veterano actor Ralph Bellamy con la película Trading Places (Entre pillos anda el juego).
1983
Interpretaban a dos ricos hermanos que se apostaban un dólar acerca de la posibilidad de arruinar a un hombre inocente.
El éxito de la película les proporcionó la vuelta al primer plano de Hollywood.
El siguiente papel de Ameche, en Cocoon (1985), le valió el Óscar al mejor actor de reparto.
Siguió trabajando el resto de su vida (incluyendo un papel en la secuela, Cocoon: The Return).
Sus últimas películas fueron Homeward Bound: The Incredible Journey (De vuelta a casa, un viaje increíble) (1993) y Corina, Corina (1994), completada unos días antes de su muerte.
Ameche estuvo casado con Honore Prendergast desde 1932 hasta la muerte de ella en 1986.
Tuvieron seis hijos.

RALPH BELLAMY


Ralph Rexford Bellamy (17 de junio de 1904 – 29 de noviembre de 1991) fue un actor estadounidense ganador de un Premio Tony, y con una carrera que abarcó un total de 62 años.

Empezó su carrera interpretativa en el teatro, y en 1927 poseía una compañía teatral. En 1931 debutó en el cine, en el que trabajó de manera constante durante toda la década, consolidándose como un hábil actor de reparto.
Bellamy recibió finalmente un papel protagonista en 1936.

Fue panelista habitual en el show televisivo To Tell the Truth al inicio del mismo. También participó en la serie televisiva detectivesca Follow that Man.
En Broadway tuvo uno de sus más famosos papeles, el de Franklin Delano Roosevelt en Sunrise at Campobello. Posteriormente trabajó en la versión cinematográfica de 1960.

En el cine también participó en Rosemary's Baby (El bebé de Rosemary - La semilla del diablo) (1968), en el papel de un diabólico médico, antes de enfocarse hacia la televisión durante los años setenta. Volvió al primer plano gracias a dos interpretaciones: la de la mini-serie The Winds of War (1983), en la cual nuevamente hacía el papel de Franklin Delano Roosevelt, y por la cual consiguió una nominación al Premio Emmy, y la de un multimillonario en Trading Places (Entre pillos anda el juego) (1983), junto a Don Ameche.

En 1984, recibió un Life Achievement Award, concedido por el Sindicato de Actores, y en 1987 recibió un Oscar Honorífico "por su maestría única y su servicio distinguido a la profesión".

Entre sus últimos papeles tuvo una aparición memorable en un episodio de L.A. Law. Siguió trabajando regularmente, y su última actuación fue en Pretty Woman – Mujer bonita (1990).

Estuvo casado en cuatro ocasiones: con Alice Delbridge (1927-1930), Catherine Willard (1931-1945), y con la organista Ethel Smith (1945-1948), matrimonios que acabaron en divorcio; finalmente, en 1949 se casó con Alice Murphy, permaneciendo unidos hasta el fallecimiento de Bellamy en 1991.

Me voy a permitir la licencia (je,je) de preguntar si alguien opina como yo, que Bellamy tiene cierto parecido con Paul Newman y con Spencer Tracy.(en el caso de Newman , este se parece a Bellamy, pues nació 25 años mas tarde).

Ralph Bellamy es el de la izquierda, y Paul Newman el de la derecha(junto a la rubia)


o pudiera parecerse también a Marlon Brandon


Ralph Bellamy izq. y Spencer Tracy derecha



Quizás todo parecido con la realidad sean !cosas del cine!

HERENCIA DEL VIENTO
1960
Director: Stanley Kramer
Reparto: Spencer Tracy, Fredric March, Gene KelLy, Dick York, Claude Akins, Florence Eldridge, Donna Anderson, Noah Berry Jr., Harry Morgan

SINOPSIS:
Las contrapuestas teorías del darwinismo y el creacionismo son los dos polos opuestos que enfrentan en una explosiva batalla de creencias al abogado Henry Drummond (Tracy) y al líder ultraconservador Matthew Harrison Brady (March) en una pequeña ciudad de Tennessee en la que se juzga a un profesor por enseñar la teoría de la evolución a sus alumnos.

La fé contra la razón
Creo que es la mejor película de Stanley Kramer.
Film de juicio sociopolítico y religioso que en su momento levantó alguna ampolla entre los estadounidenses más descerebrados.
Recuerdo haberla visto cuando tenía quince años y me encantó.
Un nuevo vistazo refleja que "tropecientos" años después no ha perdido ni un ápice de su fuerza.


Esta peli, daría mucho diálogo, pero ya sé que aqui somos más de "cine mudo"