Tema: Aquellas viejas peliculas....

KING KONG (EE.UU., 1933)

Fay Wray
Intérpretes:
Fay Wray (Ann Darrow), Robert Armstrong (Carl Denham), Bruce Cabot (Jack Driscoll), Frank Reicher (Capitán Englehorn) y Sam Hardy (Weston)

Sinopsis:
En una expedición a una isla lejana de Sumatra para rodar una película, el equipo de rodaje descubre que los nativos adoran a un gorila gigantesco llamado King Kong. Para aplacar su ira, los nativos deciden raptar a la actriz principal de la película para ofrecérsela al enorme simio en sacrificio, pero el primate no reacciona según lo previsto, en lugar de devorarla se enamora de ella.
Este film inspirado de algún modo en la leyenda de la bella y la bestia, ha pasado a los anales de la historia del celuloide como una de las grandes películas de género fantástico, y la precursora del denominado "cine de monstruos". La actriz protagonista del film, Fay Wray, fue considerada un mito erótico a raíz de su papel en "King Kong", de hecho llegó a rodar una escena de desnudo integral para la película, pero ésta fue censurada.
Destacar la genial partitura de Max Steiner, que realza el dramatismo de las mejores escenas, y los impresionantes efectos especiales que logró William O'Brien para la época, gracias a la técnica del "stop motion" (animación fotograma a fotograma) que el mismo inventó. Dicen que para la mayoría de escenas se construyeron maquetas y se llegaron a utilizar más de 20 gorilas en miniatura construidos de goma y recubiertos de piel de conejo. Para los primeros planos se construyeron una mano y una cabeza gigantes cubiertas de pieles de oso, movidas desde dentro por varias personas (solamente para el movimiento coordinado de los ojos ya hacían falta tres operarios), y las mandíbulas se activavan mediante un motor de aire comprimido.
Sin duda la escena final con King Kong en lo alto del "Empire State Building" ha quedado para la posteridad como una de las más famosas de la historia del cine.

De las secuelas y versiones de "King Kong" que se han llevado a cabo, quizás destacaríamos la realizada en 1976 por John Guillermin, producida por Dino de Laurentiis, con efectos especiales a cargo de Glen Robinson y Carlo Rambaldi, y protagonizada por Jessica Lange, Jeff Bridges y Charles Grodin. En este caso si que se construyó un gorila mecánico gigante de unos doce metros de altura y seis toneladas de peso, en cuyo interior se repartían veinte operarios para lograr animarlo; el muñeco estaba recubierto en su totalidad por pelo teñido de cola de caballo (ya que los ecologistas no hubieran permitido una matanza de gorilas para realizar tal menester). Para los planos en que King Kong debía moverse con mayor agilidad se recurrió al actor Rick Baker disfrazado de gorila. Todos estos esfuerzos se vieron recompensados con el Oscar a los mejores efectos especiales, y unos beneficios netos de unos 36 millones de dólares.

Rhonda Fleming

Nacida el 10 de agosto de 1923 apodada como la "Reina del Technicolor", es una actriz cinematográfica estadounidense.

Nacida en Hollywood, California con el nombre de Marilyn Louis, Fleming protagonizó más de 40 películas, la mayoría de ellas entre los años 40 y 50. Su última aparición en una película fue en "Waiting for the Wind" (1990).

Después de interpretar algunos pequeños papeles, consiguió sus primeros papeles protagonistas en las películas "Recuerda..." (1945) (dirigida por Alfred Hitchcock y producida por David O. Selznick), y en el clásico del thriller "La escalera de caracol" (1946). Posteriormente, protagonizó junto a Bing Crosby "Un yanqui en la corte del rey Arturo" (1949), película basada en el libro de Mark Twain.

En 1953, protagonizó la película La serpiente del Nilo, convirtiéndose en una de las actrices que a lo largo de su carrera ha interpretado el papel de Cleopatra.

Entre sus películas más conocidas están: "Mientras Nueva York duerme" (1956), "Duelo de titanes" (1957) y "El gran circo" (1959).

Desde que se retiró se ha dedicado a las obras benéficas, especialmente en la cura del cáncer. En 1991, ella junto con su por entonces marido, el productor Ted Mann, crearon el Rhonda Fleming Mann Clinic For Women's Comprehensive Care en el centro clínico de la UCLA.

JEZABEL 1938 (Estados Unidos)
Director:William Wyler
Artistas:Bette Davis,Henry Fonda,George Brent
Sinopsis:

Una mujer sureña y su prometido parecen estar destinados a no compartir sus vidas. Las continuas exigencias y desaires de ella terminan alejando de su lado al hombre que verdaderamente ama. Cuando éste regresa a la ciudad, lo hace acompañado de su nueva esposa. Jezabel, destrozada, intentará terminar con ese matrimonio.


William Wyler y Bette
Aunque ambos se llevaron sus secretos a sus respectivas tumbas, hay algún elemento que otro para creer que el gran amor imposible de William Wyler fue Bette Davis y, naturalmente, viceversa. Durante el rodaje de esta película, según varios testimonios de la época, Wyler entraba con frecuencia en el camerino de Bette Davis en las pausas del trabajo diario. Repasaban el guión, hablaban sobre los personajes, tomaban una copa y quedaban para pasar el fin de semana juntos, aun a sabiendas de que su relación era lo más parecido en el cine a un choque de trenes.
“Jezabel” fue la primera de las tres películas en las que trabajaron juntos Wyler y Davis, dos personalidades fuertes. El primero, inasequible al desaliento y con paciencia propia del santo Job; la segunda, un rosario de estallidos emocionales, de pérdidas de nervios. Wyler podía repetir una toma, como así ocurrió con algunos primeros planos de Bette Davis en esta película, hasta 30 veces seguidas, para desesperación de todo el equipo, desde el productor, que veía cómo pasaban los días y se acumulaban sin solución las jornadas de trabajo. Davis no podía consentir tamaña, digamos, humillación, pero en el fondo sabía bien que había dado por fin con el director capaz de extraer lo mejor de ella misma; sencillamente, era una estrella y como tal no podía admitirlo.
Dentro de lo que cabe, no obstante, el primer encuentro entre ambas figuras no fue el peor de los tres. Terminarían siguiendo cada uno un camino diferente, pero dejarían a la historia del cine una de las relaciones más intensas e interesantes del cine clásico de Hollywood.
“Jezabel” no fue, contra lo que muchos creen, un proyecto con el que Warner Bros. compensaba la decepción sufrida por el estudio y por Bette Davis ante la circunstancia de que la actriz no fuera elegida finalmente por David O’Selznick para interpretar el personaje principal de “Lo que el viento se llevó”. Algo hubo de ello, sin embargo, cuando en Warner decidieron sacar del cajón el proyecto, que había sido adquirido por el estudio a mediados de los 30, sin que se encontrara el momento para llevarlo a la práctica.
Con “Jezabel”, una historia ambientada en el profundo Sur, Bette Davis calienta eficazmente motores en la composición de uno de sus personajes característicos: la mujer de carácter y llena de zonas de sombra, en condiciones para destruir y arruinar las vidas ajenas, las de todas aquellas personas que osaran cruzarse en su camino y no ponerse a su servicio. No se olvide que aquí es su personaje el que en el baile que constituye uno de los momentos clave de la película reta a la sociedad de Nueva Orleans vistiendo de distintivo e hiriente rojo, cuando todas las damas lo hacen de blanco...

El contrapunto masculino de Bette Davis fue un Henry Fonda en un dulce momento de su carrera. Profesional y poco veleidoso, se quitó de en medio del rodaje de “Jezabel” en cuanto pudo, llegando incluso a terminar su participación en la película antes de lo previsto.


Archivo Adjunto 5357
Una infancia marcada por un divorcio

Ruth Elizabeth Davis, más conocida como Bette Davis, nació el 5 de abril de 1908 en Lowell, en el estado de Massachusett (Estados Unidos). Su madre, Ruth Favor, se casó muy joven con un joven al que conocía desde los siete años llamado Harlow Morrel Davis. La boda se celebró el 1 de julio de 1907. Cuando Ruthie se quedó embarazada, esto no gustó nada a su marido, que no deseaba tener un hijo en esos momentos.

La niña fue bautizada como Ruth Elizabeth Davis y apodada “Betty”. Desde un primer momento Harlow mostró un manifiesto desprecio hacia la recién nacida. No le hacía el menor caso y vivía volcado en sus libros de derecho. Sensible a la carencia afectiva de Betty, Ruthie trató de resarcirla de la rigidez de su esposo dándole casi siempre una excesiva manga ancha

Hay muchas peliculas antiguas y muchos actores y actrices, pero sin embargo hay un actor cuyas peliculas y el mismo no fue muy conocido. Se trata del mejicano GERMAN VALDES, (TIN TAN). Yo recuerdo haber visto de pequeño una pelicula de el, era comica. Pongo una foto de una estatua en Mejico. En internet podeis bajar todo relacionado con este actor. Saludos.





Y para los que nos gobiernan mi dedo avatar.

Adiós a HortonFoote

ha muerto el 4 de marzo de 2009 a los 92 años de edad, en Hartford (Connecticut).
Nacido el 14 de marzo de 1916 en Wharton (Texas), Albert Horton Foote Jr. dejó los campos de algodón de su pueblecillo natal a los 16 años, para convertirse en actor. Tras pasar dos años estudiando en el Pasadena Playhouse, de California, se trasladó a Nueva York para triunfar en Broadway. Allí se integró en la compañía teatral de Mary Hunter, que durante los ensayos pedía a sus actores que realizaran improvisaciones basadas en sus experiencias reales. Cuando constató el gran interés de las historias que improvisaba Foote, una de las colaboradoras de la compañía, la coreógrafa Agnes De Mille -sobrina de Cecil B. De Mille- le preguntó si nunca había considerado convertirse en escritor. "No", replicó Foote. "¿Sobre qué tema iba yo a escribir". Entonces De Mille, que se convertiría en gran amiga de Foote durante toda su vida, le dio un consejo que le resultó bastante útil: "Escribe de las cosas que conoces". Cuando el entonces jovencísimo Foote se fue a casa, esa misma noche escribió una obra teatral en un acto, 'Wharton Dance', que narraba cómo eran los bailes del viernes en su pueblo. La compañía montó otra de las obras de Foote, 'Texas Town', que inesperadamente acudió a ver Brooks Atkinson, crítico de The Times, que escribió un texto muy elogioso de su descripción de los ambientes rurales de los Estados Unidos.
Para sobrevivir cuando empezaba su carrera como escritor, Foote tenía que combinar varios trabajos, pues hacía de ascensorista y también trabajaba en una librería. Allí se enamoró de una compañera de trabajo, Lillian Vallish, con la que se casó en 1945. Ambos tuvieron cuatro hijos y han permanecido unidos hasta la muerte de ella, en 1992.
Foote comenzó su actividad de guionista en la televisión. Debutó en el cine con la adaptación de la novela Miedo en la tormenta, dirigida y protagonizada por Cornell Wilde. Otra adaptación, Matar a un ruiseñor, basada en una de las obras clásicas de la literatura estadounidense, escrita por Harper Lee, le hizo merecedor del Oscar al mejor guión adaptado. Obtuvo otro Oscar en 1984, por Gracias y favores, con la que también ganó la estatuilla Robert Duvall, intérprete que precisamente inició su carrera cinematográfica con Matar a un ruiseñor.
"La voz de Horton era la gran voz americana. Era propia de su patria, pero también universal", ha comentado Robert Duvall al enterarse del fallecimiento.

Agnes De Mille (gran amiga de Horton Foote)

De Mille realizó la coreografía de más de una docena de otros musicales, entre los que cabe destacar Bloomer Girl (1944), Carousel (1945), Brigadoon (1947), Los caballeros clas prefieren rubias (1949), Paint Your Wagon (1951), Goldilocks (1957), y 110 in the Shade (1963).

En el momento de su muerte en octubre, de 1993 a la edad de 88 años, Agnes de Mille era aún una líder influyente y productiva en la vida cultural del país.

A mi me encanta esta pelicula, es de 1980, se llama "el final de la cuenta atras", esta protagonizada por Kirk Douglas.




SINOPSIS: En 1980 el USS Nimitz, un buque de guerra equipado con el más moderno armamento nuclear, realiza una misión rutinaria a 200 millas de Pearl Harbour. De repente el buque queda atrapado en una misteriosa tormenta que le transportará al año 1941, dos días antes del ataque japonés a Pearl Harbour.
El capitán del Nimitz (Kirk Douglas) deberá decidir entre lanzar una ofensiva contra el inminente ataque japonés o dejar que la historia siga su curso. ¿Aprovechará el Nimitz la oportunidad para cambiar el rumbo de la historia? Y si lo hace, ¿qué le sucederá al mundo tal y como lo conocemos hoy?.

LA SAGA DE LOS ISBERT.

JOSE ISBERT


Nombre: José Isbert
Nombre real: José Ysbert Alvarruiz.
Fecha de nacimiento: 03/03/1886
Lugar de nacimiento: 3 de marzo de 1886, en Madrid (España).
Nacionalidad: España.

Nació el 3 de marzo de 1886, en Madrid (España).

Premio del Sindicato del Espectáculo al conjunto de su carrera (1958); Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes; Medalla de Oro al Mérito en el Trabajo.

Casado con Elvira Soriano (1915-1966); padre de la actriz María Isbert; abuelo del actor Tony Isbert; en 1963 se le practica una traquetomía que le deja sin habla hasta el fin de sus días.

Murió el 28 de noviembre de 1966, en Madrid (España), víctima de un infarto de miocardio.


MARIA ISBERT
Archivo Adjunto 5369
TONY ISBERT


Un apellido poco-español en una familia ESPAÑOLA 100%

El verdugo (1963) Luis García BerlangaJosé Isbert, Nino Manfredi, Emma Penella, José Luis López Vázquez, Ángel Álvarez, María Luisa Ponte, María Isbert, Julia Caba Alba

Género: Comedia negra
Sinopsis: José Luis, empleado en una funeraria, está pensando en emigrar a Alemania para convertirse en un buen mecánico. Enamorado de Carmen, hija de Amadeo, un «administrador de justicia» que parece tener soluciones para todo, será sorprendido con ella en la intimidad, por lo que se ven obligados a casarse. Ante la acuciante falta de medios económicos y la necesidad de buscar un piso para fundar el nuevo hogar, Amadeo, que está a punto de jubilarse, convence a José Luis para que solicite la plaza de verdugo que va a dejar vacante, y con la que tendrá derecho a una vivienda. Basta con que José Luis herede la profesión de su suegro. Esa es la única condición que pone el Patronato de la Vivienda. Presionado por la familia, José Luis acepta y, convencido de que jamás ejercerá, se hace verdugo. Mientras no hay ejecuciones, la vida en la casa nueva transcurre plácidamente, pero un día llega el temido telegrama: debe ajusticiar a un condenado en Mallorca. La posibilidad de

un indulto es su única esperanza.
La represión franquista: crítica y censura. Pena de muerte

Una actriz, (aunque actual,) ha pasado a formar parte de la Historia del Cine por una escena.

Aunque ha demostrado profesionalidad e inteligencia tanto dentro como fuera del celuloide, siempre ira acompañada por el "cambio de piernas"

Hoy cumple 51 primaveras..

Felicidades Sharon

Sharon Vonne Stone (Meadville, Pensilvania, 10 de marzo de 1958) es una actriz y productora estadounidense. Desde que protagonizó junto a Michael Douglas en 1992 la película dirigida por Paul Verhoeven Basic Instinct (Instinto Básico), ocupa un lugar de privilegio en la industria cinematográfica de Hollywood, además de estar considerada una de las actrices más bellas y atractivas del cine.

Me van a permitir ustedes, la licencia de indicarles la visión de la siguiente pelicula aunque no cumpla el requisito de vieja. Pero es bueno pensar que puede existir gente buena. El film nos da una clara idea de ello.


Título original: The shower
Año: 1999
Duración: 91
Género: Comedia
Reparto: He Zheng, Jiang Wu, Lao Lin, Lao Wu, Pu Cun Xin, Zhang Jin Hao, Zhu Xu,
Dirección: Zhang Yang,
Productor: Peter Loehr,
Guión: Cai Xiang Jun, Diao Yi Nan, Huo Xin, Liu Fen Dou, Zhang Yang,
Música: Ye Xiao Gang,
Fotografía: Zhang Jian,
Montaje: Yang Hong Yu,
Dirección artística: Tiang Meng,

Nacionalidad: China
Fecha de Estreno: 18-05-2000

Sinopsis:
Abandonado por Daming, su hijo mayor, que se ha trasladado a Pekín en busca de fortuna, el señor Liu continúa afferrado a su trabajo como propietario de unos baños públicos, su vocación de toda la vida. Además, ha de cuidar de su hijo menor Erming, un joven que sufre retraso mental.
Daming, creyendo que su padre ha fallecido, regresa a Pekín para descubrir la magia de los baños públicos.

¿Y que de decir de esta otra magnifica pelicula basada en la guerra de vietnam?, se trata de "la chaqueta metalica", dirigida en 1987 por el prestigioso director Stanley kubrick´s.





Sinopsis

Aclamada por la crítica internacional y con un excelente reparto, la brillante epopeya de Stanley Kubrick sobre la guerra de Vietnam narra el proceso de deshumanización que va transformando al ser humano en cualificados asesinos entrenados para matar, Matthew Modine, Adam Baldwin, Vincent D’Onofrio, Dorian Harewood y Arliss Howard, protagonizan a los nuevos reclutas sumidos en el infierno de un régimen militar donde deben superar un período de instrucción brutal. Hartman, sargento mayor de artillería, encarna a un implacable instructor quien vocifera, insulta y humilla a sus reclutas dentro de unos márgenes de violencia atroz. Un retrato feroz y cáustico, realista y humano del riguroso aprendizaje de un puñado de marines destinados a combatir el Vietnam. La acción es salvaje, la historia prodigiosa, los diálogos se clavan con una dureza impactante. La Chaqueta Metálica, con su narración desde los comienzos del adiestramiento y su técnica para embrutecer a sus hombres hasta la pesadilla vivida en la batalla de Hue, ha sido calificada como un triunfo cinematográfico.

Actor director, guionista y músico

CHARLES CHAPLIN

Nacimiento
Fecha:
16 de Abril de 1889
Lugar:
Londres, Inglaterra
Fallecimiento
Fecha:
25 de Diciembre de 1977
Lugar:
Vevey, Suiza


“Ese hombrecillo que camina con los pies hacia fuera es, en cierto modo, el héroe de nuestro tiempo. Expresa una realidad viviente y resume el idealismo limitado de los hombres de hoy. Ante todo, Charlot debe esforzarse por vivir, y para eso es preciso que entre en lucha con todas las fuerzas sociales”

“ Yo no soy un político;
creo en la libertad.
Esa es toda mi política.”

Charles Chaplin

de origen británico (Londres, 1889-Corsier-sur-Vevey, Suiza, 1977). Autor completo, puede que el primero en la cronología cinematográfica, en todo el sentido de la palabra (él mismo escribió la música de sus películas sonoras), Charles Spencer Chaplin encarnó el cine para millones de personas durante varias generaciones, proyectándose en la personalidad de Charlot. Secreto en muchos aspectos, sin embargo el hombre es inseparable del autor. Proveniente de una familia de music-hall al principio próspera pero que a finales de siglo cayó en la miseria, Chaplin debutó en el teatro a los cinco años y desde muy joven tomó parte en las giras a través de Inglaterra y de Europa antes de embarcarse para los Estados Unidos en 1912 (después de una primera estancia en 1910). Mack Sennett se fijó en él, la Keystone lo contrató (dic. 1913) y debutó allí como intérprete de Henry Pathé Lehrman en enero de 1914. Pronto realizó él mismo sus películas, de una y después dos bobinas a un ritmo frenético, dejando la Keystone por Essanay (1915), ésta por la Mutual (1916) y esta última por la First National (1918). En unos cuantos años su salario aumentó diez veces en proporción a un éxito fulgurante que hizo de él el cómico más popular de los Estados Unidos y más tarde del mundo entero. Cofundador de la United Artists con Griffith, Fairbanks y Mary Pickford (1919), pasó a la realización de largometrajes que necesitaron meses de preparación y que fueron objeto de campañas publicitarias muy bien calculadas al controlar Chaplin completamente producción y distribución. Intentaría, incluso, la producción de películas de otros, con The Seagull de Sternberg (para él fue un fracaso y no la distribuyó jamás).
El personaje de Charlot ya no necesitaría los payasos de la Keystone; incluso si debía repetir aquí y allá ciertos episodios de sus viejas películas, el trabajo de Chaplin consistía, en parte, en precisarlo, pulirlo, liberarlo de la carga de vulgaridad (y también de los reflejos mecánicos heredados del slapstick) para elevarlo hasta la comicidad más noble. Al mismo tiempo que la profundización en el gag, si intentaba realzar a Charlot, conllevaba una disminución del ritmo (sensible sobre todo en La quimera del oro) los elementos sentimentales, desde el principio siempre presentes, se precisan y llegan hasta el romanticismo melodramático (Luces de la ciudad).
Durante este tiempo, el hombre Chaplin debe capear los primeros temporales de una vida privada que sus dos giras triunfales, en 1921 y 1932 por Europa y más tarde por el resto del mundo contribuyeron a hacer pública. Su primer matrimonio y su primer divorcio (Mildred Harris, 1918, 1920) pasó desapercibido. Pero no ocurriría lo mismo en el segundo (1927), con Lita Grey (casada en 1924) que le interpuso un proceso "escandaloso" haciendo de él el blanco de las ligas puritanas. Además, Chaplin debería afrontar las consecuencias del final del cine mudo, que sobrevino cuando su estilo visual había alcanzado la cumbre. Indiferente, incluso hostil, a la técnica, sólo produjo películas habladas con largos períodos de tiempo entre ellas: Luces de la ciudad es una película sonorizada. Si el matrimonio de Chaplin con Paulette Goddard (1933-1941) gozó de gran discreción, las películas de este período inquietaron al público: Tiempos modernos atacaba el trabajo en cadena, y El gran dictador anunciada abiertamente como panfleto ántihitleriano, le aportó a Chaplin los ataques de los medios aislacionistas. Durante la guerra, intervendría en favor de la apertura del "segundo frente" y, en 1947, sería acusado por la Comisión de Actividades Antiamericanas de simpatizar con el comunismo.
Simultáneamente, la audacia formal creció en sus películas tras sus vacilaciones ante el cine mudo. En este sentido nos referimos menos a la metáfora del rebaño de Tiempos modernos (el adiós de Charlot), que recuerda a Eisenstein como a la iluminación expresiva de Luces de la ciudad y sobre todo a la franqueza con la que, en El gran dictador, Chaplin resolvía su problema central: hacer pronunciar al protagonista un discurso que trascienda el tiempo y el espacio. En 1942, la joven actriz Joan Barry instigó contra Chaplin un escándalo que concluiría en 1948, con la condena del cineasta a tener que pasar una pensión a un hijo que no era suyo. Entre tanto, Chaplin había encontrado una compañera, quizá largo tiempo buscada en la persona de Oona O'Neill, con la que se casó en 1943, a pesar de la oposición de su padre, el dramaturgo Eugene O'Neill. En Monsieur Verdoux, Chaplin retiraba la máscara de Charlot, podríamos decir, y agredía al público componiendo un personaje inspirado de Landrú, obligado a matar mujeres para alimentar su familia, y sin embargo siempre secretamente dispuesto al amor (éste, en los Chaplin de la madurez, tiene como pilar una especie de sensualidad afectuosa de la que encontramos pocos ejemplos en el cine). El fracaso de Monsieur Verdoux, espléndida fábula satírica que desemboca en el humor negro, era previsible. Más oscura fue la huida de Chaplin y de toda su familia a Europa, tras el estreno privado de Candilejas (Septiembre 1952), la película que volvía a tratar el tema, bastante convencional, del payaso incapaz ya de hacer reír; ¿fue un alegato?. La gira de presentación fue un éxito, pero al otro lado del Atlántico las hostilidades acumuladas contra Chaplin no ceden. Además, Un rey en Nueva York, rodada en Londres en 1956-57, conllevaba, en nombre del pacifismo una condena a los Estados Unidos que se refería sobre todo a la ignorancia y la estupidez del maccartismo entonces en decadencia.
Habiendo encontrado en Europa la tranquilidad, Chaplin redactó sus memorias (My Autobiography, 1964) de poco interés y añadió a su filmografía La condesa de Hong Kong, obra aún hoy poco conocida, su única película en color, en la que se contentó con una aparición (1967). En 1972, aceptó regresar a esa América a la que había jurado no volver a poner los pies para recibir un Oscar especial en medio del entusiasmo general. Ennoblecido por la Reina de Inglaterra (1975), pasó sus últimos años en uno de los más bellos paisajes de Suiza.
El genio de Chaplin hay que buscarlo primero en su oficio original: la pantomima, que enriqueció y refinó casi excesivamente, y después dominó (cf. su doble papel en El gran dictador). A distancia, ella entra en sus películas mudas en composiciones a veces conflictivas con su sentido del espacio todavía demasiado estrecho, pero pronto más sutil que el de Mack Sennett (relación entre los gestos de personajes diferentes, elección de ángulos, cambios de escala). Después la filosofía de Charlot, vagabundo famélico, a menudo víctima, a menudo sentimental pero en ningún caso simple, y ligeramente sádico en ciertos momentos, ha sido indebidamente elevada al rango de un humanismo universal (lo que no significa, en absoluto, que la reflexión sobre la condición humana esté ausente). Sus límites están indicados por el famoso gag de Tiempos modernos en donde el "hombrecillo" se encuentra a la cabeza de una manifestación... porque agita el trapo rojo de una interrupción de tráfico. Hoy, tras un eclipse debido a la política malthusiana del mismo Chaplin en cuanto a una nueva aparición de sus películas, al redescubrimiento de Buster Keaton, a la debilidad de los comentarios vacíos que añadió a algunas de sus obras (sobre todo La quimera del oro) y a la cursilería intrínseca de Candilejas, la reedición integral de los largometrajes nos ha recordado la verdadera grandeza, no exenta de amargura pero a menudo dotada de hermosa generosidad, que sigue siendo la de Chaplin.

El Mago de Oz. (1939)

DirectorVictor FlemingActoresJudy Garland, Ray Bolger, Jack Haley, Bert Lahr, Frank Morgan, Billie Burke, Margaret Hamilton, Charley Grapewin, Pat Walshe

Uno de los grandes clásicos del cine musical y una película legendaria que continúa conmoviendo, generación tras generación, a niños y mayores de todas las edades.

La maravillosa tierra de Oz nos traslada a un mundo de fantasía de brujas y hadas, bosques encantados, espantapájaros que bailan y leones que cantan, que nos envuelve con su magia en una aventura repleta de canciones inolvidables. Un tesoro cinematográfico basado en los preciosos cuentos de L. Frank Baum,

El Mago de Oz ha sido aclamado como “la mejor película familiar de todos los tiempos” por el Instituto Cinematográfico Americano. Te invitamos a seguir el camino de baldosas amarillas más famoso de la historia del cien que nos conduce a la Ciudad Esmeralda, hogar del poderoso Mago de Oz. Dorothy, el Espantapájaros en busca de un cerebro, el Hombre de Hojalata en busca de un corazón y un León Cobarde en busca de coraje, te esperan... más allá del arco iris..

#

Esta es una de las canciones que incluso hoy me emocionan...

Curioso el Trailer de la pelicula (aunque data de los 50)

El Gran Dictador

Archivo Adjunto 5370
Un clásico del cine de todos los tiempos. Charlie Chaplin nos brinda una película ambientada en el período entre la primera y segunda guerra mundiales, es decir, entre 1918 y 1939.
Durante la Primera Guerra Mundial, el barbero Judío (Chaplin) sirve en el ejército de Tomania y salva la vida del alto oficial Schultz. Pero, mientras el oficial termina la guerra ileso, el barbero sufre de amnesia y es enviado a un hospital donde permanece internado durante una larga temporada. Pasan 20 años, Tomania ha sido tomada por el dictador Adenoid Hynkel (Chaplin también) y sus secuaces, Garbitch y Herring.
Hynkel persigue a los judíos y sistemáticamente hace trizas el ghetto judío de Tomania donde vive Hannah (Paulette Goddard.)
Mientras tanto, el barbero fuga del hospital e instintivamente regresa a su barbería, que ahora está en el ghetto sin saber que hay una persecución contra los judíos. De hecho ni siquiera sabe que existe el dictador Hynkel. El barbero se mete en un enfrentamiento con las tropas de asalto de Aryan, siendo rescatado por quien fue su viejo amigo el oficial Schultz, que en esos momentos resulta ser uno de los más leales oficiales de Hynkel. Gracias a la intervención de Schultz, el ghetto recibe un respiro en las persecuciones. Entonces el barbero judío reanuda sus cortes de pelo en la barbería mientras se desenvuelve su platónico romance con Hannah. Pero las cosas vuelven a empeorar, cuando un banquero judío se resiste a financiarle la guerra de Hynkel contra Austerlitz, hecho que enfurece a Hynkel quien se las vuelve a agarrar con el ghetto.
Cerca del fin de la película cuando se espera que el dictador emprenda otro de sus discursos belicosos, el barbero sube al estrado. En ese momento, Charles Chaplin abandona el papel del barbero judío y convertido en "si mismo" se lanza un discurso pacifista y tolerante con la humanidad.

Otro clasico de cine belico, "el puente sobre el rio kwai", del año 1957, muy buena.



Sinópsis:
La acción transcurre en Siam, en el año 1943. Cientos de prisioneros de guerra británicos están trabajando en el llamado "Ferrocarril de la muerte", cuando tiene lugar una discusión entre el coronel japonés Saito y el británico Nicholson, que no está dispuesto a que sus oficiales construyan un puente sobre el río Kwai. Pero el cruel trato que reciben por parte de Saito les obliga a aceptar. Desde ese momento, este asunto se convierte en una obsesión y una cuestión de amor propio para Nicholson. Mientras tanto, el Estado Mayor Británico da la orden a un comando especial para que vuele el puente.



Reparto:
William Holden
Alec Guinness
Jack Hawkins


Dirección:
David Lean


Fotografía:
Jack Hildyard


Guión:
Carl Foreman
Michael Wilson


Música:
Malcolm Arnold


Premios:
Oscar. Mejor guión adaptado 1957
Oscar. Mejor guión adaptado 1957
Oscar. Mejor guión adaptado 1957
Oscar. Mejor director 1957
Oscar. Mejor actor 1957
Oscar. Mejor película 1957


Nominaciones:
Oscar. Mejor actor de reparto 1957

Mas cine belico, esta vez, "la batalla de midway", con charlton heston y henry fonda ademas de otros buenos actores, la pelicula es de 1976.



Sinopsis

El furioso estruendo de la batalla de Midway resonó en el mes de junio de 1942, sólo seis meses después del ataque a Pearl Harbour.
"La Batalla de Midway" entreteje las dramáticas historias personales de los hombres que combatieron valerosamente en la encarnizada batalla que, para los Estados Unidos, sería el momento decisivo de la campaña del Pacífico.
El reparto, cuajado de estrellas y las impresionantes secuencias bélicas transmiten al espectador las dimensiones épicas de la batalla de Midway con enorme realidad.

Buster Keaton
Joseph Francis "Buster" Keaton (n. Piqua, Kansas, 4 de octubre de 1895 - m. Woodland Hills, California, 1 de febrero de 1966) fue un famoso actor,guionista ydirectorestadounidense de cine mudocómico. Se caracterizó principalmente por su humor físico mientras mantenía un rostro inexpresivo en todo momento, lo cual le ganó su apodo, "Cara de palo". Al igual que sus contemporáneos, Keaton provino del vaudeville. Su padrino fue Harry Houdini, quien lo bautizó "Buster" (el destructor) tras verlo caer de una escalera sin una sola herida a la edad de tres años.

Nació el mismo año en que fue inventado el cine. Keaton fue criado en el mundo del vaudeville, actuando junto a sus padres (presentados como "Los Tres Keatons") desde la edad de tres años. Sus padres pertenecían a la Mohawk Medicine Company, igual que Houdini, y casualmente se encontraban en Kansas cuando Buster nació. Su padre había sido periodista en el Oeste, y junto a Myra, su mujer, realizaba un número acrobático. El espectáculo debía de ser bastante impresionante, ya que Keaton hijo era lanzado desde un lado a otro del escenario y pisoteado. El sketch se llamaba El estropajo humano y sus padres fueron interrogados por las autoridades en varias ocasiones para comprobar que Buster no salía dañado.

Los Tres Keatons
Cara de palo

Para darle expresión a su personaje, utilizaba las acrobacias, para las que no usaba ningún doble ni especialista. Todas las proezas que realizó en El maquinista de la general, o en El héroe de río, son suyas. En El rostro pálido, llegó a saltar desde una altura de 24 metros, y en la película El moderno Sherlock Holmes, se rompió el cuello en una escena de riesgo.

La escena final de la pelicula Candilejas junto a CharleS Chaplin pone a dos de los mejores cómicos del cine mudo compartiendo pantalla.
Candilejas (1952)

Archivo Adjunto 5371



Payaso en decadenciaEn esta película, Chaplin destilaba toda su tristeza al describir la decadencia de Calvero, que en otro tiempo fuera cómico genial en los escenarios, y a quien nadie llama ahora para trabajar. Un día, salva del suicidio a una joven bailarina y le enseña todo lo que sabe del mundo del teatro para que triunfe en su profesión.

ALICE GUY

(París 1873 – New Jersey 1968) fue la primera persona, hombre o mujer en llevar un film narrativo a la pantalla.
Es considerada la primera directora de cine. Ella dirigió, produjo y/o supervisó más de 300 películas y el resto de tiempo se dedicó a intentar probar al resto del mundo que eso era lo que había hecho. Sus producciones tocaban todos los géneros, desde cuentos de hadas y cuentos fantásticos a parábolas religiosas, pasando por comedias románticas o películas policíacas.
Archivo Adjunto 5372 Archivo Adjunto 5373

Alice Guy nació en Paris. Era la hija pequeña de un famoso escritor lo que la llevó a desarrollar su amor por las artes y la literatura. En 1885 empezó a trabajar como secretaria de Gaumont, cuando su organización se dedicaba todavía a fabricar equipos de fotografía.

En ese mismo año Louise Lumière invitó a Gaumont a que viera el nuevo aparato que había construido, una cámara que hacía que las fotos fijas se convirtieran en movimiento. A Madame Guy le fascinó el aparato.

Algo más tarde Gaumont hizo su propia versión de la cámara de 60 mm. de Lumière sin saber muy bien que era lo que iba a hacer con su nuevo aparato. A Alice se le ocurrió que podría escribir unas pequeñas historias y realizarlas para divertir a los potenciales compradores del aparato. Cuando le sugirió esta idea a Gaumont él dijo: "Como tú quieras... no es más que un juguete para niños..."

Así que se lo permitió (siempre y cuando no abandonara sus tareas como secretaria). Y así fue cuando ese mismo año Alice Guy realizó la primera película narrativa: "La Fee aux Choux".

El invento de Alice tuvo tanto éxito que los equipos de la empresa de Gaumont comenzaron a venderse estupendamente. Así que el Señor Gaumont tuvo que eximir a Madame Alice Guy de sus tareas de secretaria. Desde aquel momento ella estuvo al cargo de la nueva productora del Señor Gaumont. Todas las películas que ella hizo en esta época de su vida fueron proyectos muy ambiciosos: desde escenas de óperas a escenas militares. En la mayoría de estos filmes, utilizó trucos cinematográficos como la doble exposición del negativo, dándole la vuelta al negativo, etc. Estos trucos o "técnicas" han sido generalmente atribuidos a Méliès.

En 1907, Alice Guy conoció a Herbert Blanch, un cameraman de la empresa Gaumont. Se casaron y a los pocos días se fueron a vivir a Los Estados Unidos. Alice dejó su trabajo como realizadora durante tres años para dedicarse a las tareas domésticas. En Nueva York tuvo a su primera hija, Simone. Pero en 1910, Alice ya estaba aburrida de la vida doméstica y volvió a la dirección y fundó con su propio dinero una productora "Solax Company". Entre 1910 y 1914 la compañía produjo 325 películas de distintos tipos y duraciones y, se dice que, alrededor de 50 fueron dirigidas por la directora de la empresa.

Fue capaz de adaptarse perfectamente a los gustos de los americanos y su empresa consiguió un gran éxito. Tanto fue así que pudo mover sus estudios a Fort Lee en New Jersey y construir uno de los mejor equipados estudios del mundo. Al principio de su carrera ella nunca estuvo especialmente interesada en la publicidad ni de sus películas ni de ella misma; simplemente quería hacer su trabajo y hacerlo bien. Cuando creó su gran compañía cinematográfica empezó a prestar algo más de atención y a imponer más su autoridad, sin embargo los periódicos nunca dejaban de decir la estupenda atmósfera que se respiraba en los Estudios Solax.

Guy era de todas formas una mujer del siglo XIX, decía creer fehacientemente en las estructuras familiares de la época, consideraba a las mujeres como el sexo débil y se decía no feminista. Decía que el sitio adecuado de las mujeres era delante de la cámara pero luego se “desdecía” y afirmaba que no había nada en la dirección cinematográfica que supusiera que una mujer no pudiera hacerlo tan bien como un hombre.

Estas contradicciones probablemente vinieran dadas por sus grandes dotes diplomáticas, por no "molestar" a nadie por sus puntos de vista políticos. Se decía de ella que jamás tocaba los temas de las mujeres y hasta se llegó a hablar de su supuesta misoginia, pero, más importante de lo que una persona dice es lo que una persona hace.

Alice sí hizo películas “de mujeres”. Una de ellas fue "The Call of the Rose" (La LLamada de la Rosa).

(La LLamada de la Rosa). En ella se cuenta la historia de una cantante de ópera profesional que se casa con un minero. Ella le sigue y se van a vivir al oeste y la mujer funda una pequeña escuela. Por un tiempo, la mujer es feliz viendo como su marido buscaba oro en las minas. Pero pronto ella se da cuenta del "vacío que le dejaba su inactiva existencia". Deja a su marido y se vuelve al este de los Estados Unidos a continuar con su carrera. El juicio sobre Alice y sus ideas queda abierto al espectador.

Alice Guy fundó otras dos compañías cinematográficas junto con su marido, Herbert, pero a partir de 1919, se hizo casi imposible la posibilidad de competir con Hollywood y ella tuvo que empezar a alquilar los servicios de sus "talentos" a otras compañías más grandes. Fue el comienzo del fin de su etapa en la industria independiente. Finalmente su compañía terminó por caer y su matrimonio con ella. Así que volvió a Francia pero era ya una mujer de mediana edad y en los años 20 no era fácil encontrar trabajo así que decidió volver a los Estados Unidos.

Una vez allí quiso buscar y recuperar sus películas y fue a la Biblioteca del Congreso y a otros archivos de cine y filmotecas pero no encontró casi ninguna de sus películas y de las que encontró se escondían bajo nombres de dirección de sus compañeros. Heck Rabi comenta en sus escritos que ella ya se lo esperaba:

"Ella se anticipó y dijo que los créditos de la dirección y la producción de sus películas serían falsamente asignados a alguno de sus colaboradores. Ella sabía desde el principio que su nombre, intencionada o inintencionadamente sería omitido o ignorado o degradado en la historia del cine francés y americano".

En una entrevista con Georges Sadoul, él le preguntó sobre su película "Les mefaits d'une tet de veau" y ella dijo que era un honor que se le atribuyera esa película, pero que esa era una de las pocas películas de Gaumont que ella no había dirigido.

En ese periodo Alice Guy había dirigido importantes películas como "Pasión", pero los créditos de esta película se los dio el mismo historiador y crítico G. Sadoul a Victorin Jasset, el asistente de Alice en esta película.

Cuando cumplió los 78 años, Guy fue galardonada en Francia por la Cinematique Francais como la primera mujer directora de cine en el mundo.

La madre del cine, Alice Guy, murió en New Jersey, en el estado en el que ella había cambiado el curso de la historia del cine. Tenía 95 años. En ningún periódico apareció su esquela.

PILAR MIRO

Nació el 20 de abril de 1949 en Madrid (España), en el seno de una familia de militares. Cursó estudios de Derecho y Periodismo. En el año 1968 recibió su diploma en la EOC como guionista, donde más tarde será profesora de montaje y guión. En 1960 comienza a trabajar en televisión como auxiliar de redacción. Su primer programa como realizadora fue Revista para la mujer y el primer dramatico Lili, una telenovela de cinco capitulos. Entre sus programas destacan: Una fecha señalada, Hora 11, Estudio 1, Novela, Danza macabra...
También fue directora de dos obras de teatro y como guionista participa en La niña de luto (1964) y El juego de la oca (1965). En 1980 rueda "Gary Cooper que estás en los cielos", año en que es juzgada por la jurisdicción militar, al reconocerse autora de la película El crímen de Cuenca. Fue nombrada en 1982 directora general de cinematografía, cargo que desempeña hasta finales de 1986, período en el que llevará a cabo el denominado "Decreto Miró", de protección a la cinematografía española. En 1986 es nombrada directora general del Ente Público RTVE, cargo del que dimite en l989. En 1991 realiza "Beltenebros" película que es una adaptación de la novela de Antonio Muñoz Molina rodada en inglés e interpretada por Terence Stamp y en 1996 adapta la novela de Joaquín Legina "Tu nombre envenena mis sueños" con Carmelo Gómez y Enma Suárez. Su valía cinematográfica fue reconocida en la ceremonia de los Goyas, donde "El perro del hortelano" consiguió siete estatuíllas, incluída la de la mejor dirección. Falleció El 19 de octubre de 1997, a causa de un infarto.


EL CRIMEN DE CUENCA


En 1913, Gregorio Valero –Daniel Dicenta- y León Sánchez –José Manuel Cervino-, amigos y vecinos de Osa de la Vega (Cuenca) son acusados del asesinato de José María Grimaldos –Guillermo Montesinos-, el Cepa. Ambos son torturados por la guardia civil hasta que terminan confesando el crimen. El juez Isasa –Héctor Alterio- va buscando el cadáver según una y otra confesión, pero como no obtiene resultados decide echar mano de Varona –Amparo Soler Leal- la mujer de uno de ellos y amenazarla para que diga lo que sepa. La mujer, por miedo a ser encerrada y no poder cuidar a sus niños, confiesa todo el crimen. Es entonces cuando los dos prisioneros son juzgados y condenados a dieciocho años de cárcel. Al cabo de seis años salen con el futuro roto y enfrentados entre ellos por las acusaciones mutuas que se hicieron bajo tortura, y creyendo que fue el otro quien cometió el crimen. Lo peor es que al final sus vidas fueron arruinadas sin tener culpa alguna.

“El crimen de Cuenca” se rodó en 1979, pero el día antes de su estreno, el 11 de diciembre de ese mismo año, fueron secuestradas todas las copias por la jurisdicción militar y se procesó a Pilar Miró, la directora, pues se consideraba que atentaba contra la guardia civil y el cuerpo judicial. A pesar de todo eso, la película se proyectó ilegalmente en el festival de Berlín. Una vez fue cambiado el código de justicia militar en 1980, la película volvió a los tribunales ordinarios y allí fue absuelta. De todas formas, la película se estrenó en el verano de 1981, dando así un poco por finalizada una época negra en cuanto al recorte de libertades por parte de los sectores del poder que durante años no dudaron en usar la fuerza para mantenerse arriba.

Polémicas aparte, “El crimen de Cuenca”, basada en hechos reales, con argumento de Juan Antonio Porto y con guión de Pilar Miró y Salvador Maldonado (Lola Salvador), es una excelente película, perfectamente ambientada y con un plantel de actores envidiable que bordan sus interpretaciones, cuya historia deja noqueado a cualquiera por su argumento y por esa forma tan cruda, tan lamentablemente realista que su directora utiliza para transmitirnos el horror de las torturas. No creo que no haya nadie que no haya apartado la vista cuando les meten las astillas bajo las uñas a los acusados, o que no haya sentido dolor al ver en toda su crudeza cómo un hombre se aferra a una tubería del techo con pánico por caer, ya que sus testículos están sujetos con una cuerda a esa misma tubería.

Respecto a la planificación de algunas de las escenas es asombrosa, ya que saca el máximo rendimiento y da la mayor información posible en un mismo plano ya sea del proceso que se va siguiendo como de la psicología de los personajes por su comportamiento, como cuando el juez pela minuciosamente una fruta ante la mujer desesperada de uno de los reos, o cuando está el secretario leyendo la sentencia mientras el juez y otro toman café y se ofrecen el azúcar. Son detalles que dicen más que una frase de diálogo.

Y para detalles, esa sonrisa del guardia civil que aflora en su cara cuando el juez le dice que no quiere saber nada de cómo va a sacar la información y que “cumpla con su deber”, y que ya no se le borra en toda la película, ni cuando da palizas ni cuando le arranca el bigote con unas tenazas al que tiene delante.

Por supuesto no tiene gracia ninguna la cinta; es más, su brutalidad es tan explícita que a veces, como ya he dicho, debes apartar la vista para no herir tu sensibilidad, pero, a pesar de todo, no deja de ser irónico que los acusados tengan de un lado a otro tanto al juez como a la guardia civil buscando el cadáver del Cepa. Por supuesto que los detenidos se inventan lo que sea sólo para que les dejen de meter astillas o para que les desaten los testículos de la barra, pero también es un poco su pequeña revancha, aunque sea inconsciente. Y es que cuanta más tortura y más vejación, más imaginación para salir airoso.

“El crimen de Cuenca” puede ser considerada también como una bajada al infierno interior de cada uno de los protagonistas que se ven forzados a traicionar al amigo o al marido para salvarse ellos o salvar a los suyos. Y encima para luego sentirse culpables por haber flaqueado ante los innombrables. Lamentablemente un tema muy a la orden del día en estos años.

PRIMERA DIRECTORA ESPAÑOLA DE CINE

HELENA CORTESINA
Nació en Valencia en 1904, falleció en Buenos Aires en 1984.

Bailarina clásica y del music-hall pasa al cine para interpretar a Elvira Montes en "La inaccesible" (J.Buchs, 1920) con la que consigue un éxito tal que la anima a montar productora propia.

Al año siguiente, en 1921, dirige ella misma "Flor de España o la leyenda de un torero" que no se estrenaría hasta dos años después y cuyos pobres resultados animan a Helena a volver a los escenarios.

Al llegar la guerra civil emigra a Argentina donde participa en "Bodas de sangre" en 1938 junto a otros exiliados como Margarita Xirgú, Amelia de la Torre, Enrique Diosdado, etc. posteriormente viajó a México y en los años 50 regresa a España donde aparece en alguna película en papeles secundarios.

El poco éxito de su película no la desmerece de haber sido la primera directora del cine español.

Archivo Adjunto 5376 Sinopsis de la Película:
Dos jóvenes residentes en un pequeño pueblo andaluz se van a casar. Pero Leonardo, aún enamorado de la futura novia, una joven con la que estuvo saliendo años atrás, intentará que este matrimonio no se consuma. En un principio la novia lo rechaza, pero en el día de su boda se le enciende de nuevo el amor que ya tenía olvidado por éste y, al poco rato de casarse huye con Leonardo para estar juntos. El novio abandonado, con toda su rabia los persigue por el bosque y cuando encuentra al amante de su mujer, le reta a una pelea con navajas[/B]